【寓意性】
作品を鑑賞し味わう上で、様々な「鍵」となるワードがあります。それらは鑑賞側としてだけでなく、自作と向き合い再解釈し、理解と次作への橋渡しとなるインスピレーションを読み解く上でも有用なツールとなり得ます。
以前にも音が聞こえたり匂いがしたり、浴びるとか、いろんな鑑賞の鍵を紹介してきましたが、もう少し分かりやすいものを一つご紹介したいと思います。
それは「寓意性」です。古今東西の作品の数多くに仕込まれており、アートを語る上では重要かつ割と取付きやすいキーワードです。
「寓意」とは、「隠された意味」「描かれているものによって象徴される教訓、真理的問いかけ」と言ったような意味です。
イソップ童話は「寓意性」に満ちた物語として有名ですが、アート、絵画にもまたその寓意性が込められた作品が数多く存在します。現代アートで言えばバンクシーがその代表と言えるかもしれません。
マスクで顔を覆った暴徒が投げようとしているのは火炎瓶ではなく花束であるというのは、それが闘争や紛争、民族問題などの終わらない社会問題と対極に存在するような花束を投げ込むことで起きる変革は何か？という事を想像させます。
多くの方はそこに「愛」や「和解」を見るかもしれません。バンクシーもまたおそらくそのような分かりやすいテーマを選ぶ傾向がありますので、おそらく間違ってはいないでしょう。
アートの場合その寓意性には「作者が意図した寓意」と「意図していない寓意」の二種類があります。
前者は先に述べたバンクシーの作品に代表されるような「分かりやすいメッセージ性」ですが、後者の「作者の意図しない寓意」とはなんでしょうか？
前者が不動であるとすれば、後者は変数のようなものです。
それは時代、社会情勢、鑑賞者、展示場所、展示方法によって変わります。
先のバンクシーの作品で言えば、じつはその花束には手榴弾が隠されているかもしれないと考えたらどうでしょう。あるいは作品そのものがストリートから剥がされて大英博物館の1Fに並べられたらどうなるでしょうか。
僕ならそこに「大英帝国の歴史上のやらかし」を全て語れてしまうほどの「寓意」を見出す事でしょう。
このように同じ作品であっても、見方や捉え方で作品の意味する寓意性が180°変わってしまう事は少なくありません。
「どうして水晶を貼ろうと思ったのですか？」この答えに、普段僕は2つの理由を挙げています。
今日は、その２つではなく、普段はあまり人に言わない３つ目の理由をお話しします。
僕は元々静物画出身ですが、好きなのは風景画でした。ただ、ある時から、カタチを取るのをやめ、見たままを描くのもやめて、見たものが自分の中で熟成されカタチを失った色の世界観を描こうと決めてから、特に旅行取材の時には、絵のための写真を撮らない、スケッチもしないという二つの原則を守るようにしています。
写真は形状や状況は正確に写し取ることが出来ますが、匂いや自分の肌感覚とはちょっと違い、そこに引きずられがちになるため。スケッチは上手く描けてしまうと、モチベーションがきれいさっぱり消えてしまい、油彩に仕上げようとすると全く勝手が違うという個人的な理由です。忘れたら忘れたでいい、形状やディテールにこだわるのではなく、空気感を表現したいという思いです。
このことはいわゆる絵画的表現の面白さとは別の概念を持たないと作品が成立しないという副作用を伴うため、初めはとても苦労しました。
ものの見た通りの形を脱する…とは印象派からキュビズム、抽象まで一貫した命題ですが、それでも巨匠達は何らかの形状に拘り、最終的には形而上的な思惟によってそれを解決しようとしました。
僕の今の水晶の絵に見られる作風は、その形而上的な捉われから脱するにはどうしたらいいんだろう？と考えた結果です。
明確な形はなくても、空間認識、肌感覚、個人的経験を直感的に呼び覚ますことができるための解題です。
水晶はそこに一役買っています。形状が曖昧になり、色が感覚的にブーストし、空気感、肌感覚を伝えてくれます。これは実際に水晶の絵に対面した方ならお分かりいただけると思います。
ただしそれは水晶以前、色による綿密な描画法あってのものです。単に「キラキラキレイだから水晶を貼れば良い」というのでは、水晶の絵はうまくいかないのです。水晶を貼らなくても成立かつ水晶を貼った時にどうなるかを予見した描画が必要です。
表題の写真はその一例で、水晶を貼らなくても成立しかつ水晶によってそれが完全化するように描いています。
この描画のために、常に自分の感覚を研ぎ澄ませるだけでなく感性の原点に立ち戻る必要もあります。
アートをやってると、往々にして美意識を拗らせたりします。音楽でもそうなのですが、知りすぎるとちょっとやそっとの「美」とか、音楽ならありきたりのコード進行に飽き足らなくなり、知的ゲームの中に埋没しちゃうのです。これは僕の絵にとっては少し邪魔になります。なるべくシンプルなコードで聴かせる必要があるのです。
美意識こじらせになりそうな時は、取材に出かけても自省のために必ず、幼少期から思春期の頃に見た風景、空気を思い出すようにしています。
素朴で知識の何もかもが不足していた時期に得た風の冷たさや陽だまりの暖かさ、空気の味、空の色……。それらは今でも、どんな人にも当たり前に身の回りに存在します。でもその中での人との出会いや、一人ぼっちで物思いに耽っていた肌感覚は、一人一人違います。その一人一人違う肌感覚や記憶を呼び覚ますものを一つの画面で表現したいと思っているのです。
僕の幼少の頃好きだった風景の肌感覚の一つをご紹介します。言語化するとこんな感じ…というものです。
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鬱蒼とした竹と椿の深緑の、細い市道を抜けると、赤土が剥き出しになった高さ6〜7mほどの崖が見える。その崖の脇の藪に丸い石を積み上げただけの粗末な石段を二十段も登りきると、視界いっぱいの青空と一面の野原に囲まれる。
向こうには有刺鉄線で囲まれ、白と赤で塗り分けられたラジオの中継アンテナが高く聳え立っているのがみえる。そこまで行けば、港町も望むことが出来る。
崖の上には一本の黒松の木がぽつんと立っており、そこからは赤い畑や白い家々や向こうの薄群青に光る山々まで見渡せる。
丘の北側にはなだらかな斜面が広がっている。やっぱりそこも一面草に覆われて、駆け降りて転んでも痛くないから、子供達のお気に入りの遊び場になっていた。
時折風が北の向こうの田んぼから登って来ると、丘の草原が下の方から一斉にざあっと騒ぎ立てて、その時だけ賑やかな秋の虫達の声をすっかりかき消してしまうのだった。
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【瞑想と呼吸】
先日、お世話になっているとあるサロンのオーナーとお話をしている時に、瞑想の話になりました。
いろんな質問に答えているうちに、自然に
「瞑想はするのではなくて、『なる』んです」と答えていました。
考えてみると、ここ10年ほどは意識的に「瞑想するぞ」と思ったことが一度もないことに気がつきました。
それでも日常的に瞑想感が強いのは、普段からぼーっとしてるか、いよいよ瞑想名人の域に達したのかな？とか、帰り道いろんなことを考えていました。
そしてはたと
「あ、絵を描いてる時か」と思い至りました。
最近自分でも絵が変わってきたなというか、シンプルな構図と複雑な色の組み合わせが多くなってきたのはそのせいなのかもしれないと。
それから数日後、とある伝統芸能の達人の動画に出演させてもらった折、彼が「ルーブルでモナリザを見た時は胸式呼吸、雪舟を見た時は丹田呼吸になった」とおっしゃっていました。
「サトさんが絵を描いている時はどこで呼吸してますか？」と振られて、思わず
「僕は絵を描いている時、気がつくと無呼吸になってます」と、なんともとりつく島のないような答えになってしまいました。
で、それも後から「あ！」と気付きまして。
僕の場合、取り掛かるまでが長くて、描きモードに入るまで4時間も5時間も、下手すると三〜四日「何もしてない」状態が続くことがしばしばなのです。
始まれば速いんですが、始まるまでがとにかく長い。
もしかするとこの「何もしない時間」というのは、知らないうちに呼吸を整えている時間、瞑想なのかなと。
それが瞑想といえば瞑想なのか、いや、それともただの無駄な時間なのかは分かりません。
とにかく、そういえば呼吸が整うというか、自分の波動がすっかり静かになったところで、あとは息を止めてわーっと描くわけです。
個展近くなって、また昼夜逆転してきました。
【共にまだ見ぬ地平へ】
僕が画業に専念すると決めた日以来、様々な人が応援してくれました。
そして実に驚くべき事に、それは今日まで一日も欠かす事なく続いています。
作品を購入してくれるのはもちろん、個展開催のために骨を折ってくれたり、人の縁を繋いでくれたり、展示に欠かさず足を運んでくれたり、励ましてくれたり、寄り添ってくれたり、所有のサト作品をSNSで取り上げてくれたり、中には残念ながらお目にかかることも叶わなくなってしまった方もいますが、現在進行形でいまでも数えきれない方から様々な形でかけがえのない恩を頂いています。
今の僕があるのは、この方々の応援のおかげ以外の何物でもありません。
その幸運に恵まれたことを心から感謝せずにはいられません。
この御恩は、自分がしっかりとアートの地平の先を踏みしめ、サトチヒロのアートを応援していて本当に良かったと思ってもらえることでお返ししようと、日々決心と覚悟を新たにするのです。
その地平の先とはなんでしょうか。
それは
「世界のアートの中心地日本という国で、みんなと共にアートの新世界を踏みしめる」
ということです。
日本はアートの国になります。
（ポテンシャルとしては既になっている）
そして東京をはじめとする日本の各都市は、世界のアートの中心を担う事になるでしょう。
そして、作る人も見る人も、全てのアートを愛する人々が、アートによって立つ、豊かになるという社会が到来します。
それが僕の見ている「アートの地平、新世界」です。
今、僕はとても貴重な体験をしています。
これまでのような、アートが単に発表の場が与えられるとか、アーティストとオーディエンス、限られたマーケットだけの関係に留まらない、観る側、所有する側が主体となる一つのアート運動、イズムが起きつつある、アートが媒介するトランスフォーム体験です。
「なんのこと？」と思われる方もいらっしゃるかもしれません。この事についてはまた機会を改めて詳しく書きたいと思います。
ともかくこの体験は、これまでの日本にはなかった、いやおそらく世界にも類を見ない、全く新しいアート文化の誕生を予期させる動きです。
この潮流は、やがて日本中に広がるだろうと思っています。いや、シンクロして各地で同時進行で始まっているかもしれません。
そしていずれ世界の美術史にページが割かれる日が来るでしょう。
日本は、パリやニューヨークに負けない世界のアートの都になる素質を十分に持っているのです。
この体験をリアルタイムでより多くの人と分かち合いたいのです。
ただし、ただ絵を描いているとか発表して見てもらうというだけでは、このムーブメントは大きくはなりません。一人一人の自然で無理のないトランスフォームが欠かせません。
僕もその一助になろうと、銀座アートストンギャラリーのオーナー先崎氏をはじめとし、アンバサダーになっていただいているお客様やアーティスト、キュレーター、またアートに直接関わらない異分野の方々、経済界や文化人の方々と、日々様々な意見交換をし、いくつかの企画も立ち上げています。
一例として、ご存知の方もいらっしゃると思いますが、今年1月から、有料ですがアーティストのためのワークショップを開催しています。
といっても描き方の教室ではありません。アーティストが創作活動を持続発展させていくためには、正しく自分のアートや考え方を知ってもらうこと、アートを応援してくれる人達とのコミュニケーション、アートの社会的役割、努力に応じて用意されたチャンスをしっかりと掴むことができる技術や考え方、意識、観察力が必要です。
まずはアーティスト自身それを身につけようと始まりました。動画の配信やイベントも行っています。どなたでもいつでも参加可能です。
それらは自分だけが身につけるだけでなく、分かち合い共有する事でさらに大きな力となります。
このワークショップの当面の目標は、これらを共有した方々が、さらに大きな流れを作って下さることにあります。
遠くないうちに、アートを作る側でない、オーディエンス、アートファン、これからアートに触れたい方のための企画もお知らせするつもりです。
まだまだ小さな流れに過ぎませんが、やがてこの「新しいアートムーブメント」が大河となって大海へ注ぐ姿が、僕にははっきりと見えています。
「共に新しいアートの新世界に立とう」
この考えに賛同して下さる方は、いつでもお気軽にコンタクト下さい。
これからもどうか変わらぬご支援、応援を何卒よろしくお願い申し上げます🙇♂️
【優れた創作は、作家の人生のアンビバレンス（非整合性、葛藤）と無縁ではいられない】
…とはよく言ったものですが、説教臭い人生論はさておき、今日の夕飯は絶対に魚にしようと決めていたのに気がつけば火鍋屋にいたとか、ヒゲを剃るはずなのに顔を洗っていたとか、とにかく生きている限り、自分の言動に整合性がとれていることなど珍しいものです。
ベートーヴェンがゲーテの振る舞いに激怒して訣別した（※）なんてのは彼のアンビバレンスを説明するには全然生やさしい事件に過ぎませんが、彼は訴訟や難聴、借金など、あまりにゴタゴタした私生活と困難や絶望を繰り返しながら、その一方であまりに美しくそしてエネルギーに満ち溢れた旋律の数々を生み出し、それまで王侯貴族のためのものであった音楽を一般市民のための音楽にまで昇華させ、古典主義音楽を完成させました。
そんな楽聖ベートーヴェンの葛藤に比べれば凡俗中の凡俗に過ぎない僕のそれなどノミの地団駄に過ぎませんが、やはり制作していると、勝手に生まれる色彩やカタチは、自己の非整合性と戦ってる感がいろんなところで出るなあと、妙に感じ入るのです。
まあ、どんな葛藤があろうが最終的に美しいもの、自分でヨシとするもの、そして誰かを幸せにできるものに昇華されていくのであれば、何でもいいんです。
（※註釈）
当時はまだ王侯貴族からの召し抱えが無ければ安定収入が得難い時代。安定収入を渇望しながら、ゲーテの貴族たちにおもねる振る舞いに激怒してゲーテと訣別してしまうという、彼の反骨精神、反権威主義的姿勢を代表する武勇伝。
【パーセプション】
パーセプションとは、直訳すれば感知、主観的知覚のことを言います。要するに論理や抽象的推論なしに五感やその人の持つ認知能力によって感知される外界事象事物への認識、判断であり、それには印象も含まれます。
一方、少し前に「クオリア」という言葉が流行ったことがあります。クオリアとは例えば赤いものを「赤い」と感じ他者と共有できる感覚的体験で、これもまた抽象的推論なしに感じることのできる共感覚認知です。
この二つは似て非なるもので、クオリアは持って生まれた共感覚として各人に共通する脳の働きなのに対して、パーセプションは、多分に経験や社会的な体験、文化、時代背景に影響を受けます。そしてそれは常に変革されます。
アートは、この二つの感覚的認知を繋げて、パーセプションに新しい視野を広げていく（変革を起こす）プロセスに他ならないと思っています。
それが具象であろうと抽象であろうと関係なく、クオリアを通して表現がなされ、それを作者が昇華させて作品とする、最終的に作者と鑑賞者がパーセプションを共有しその変革を共に紡いでいけるのはとても刺激的で楽しく、深遠なる叡智に深い感謝を感じる瞬間なのです。
そういう意味で、アートには鑑賞者の存在は欠かせません。
しかしながら作者のコンセプトには、言語化出来るところとできないところが厳然としてあります。
実感として、作者側において事物事象を高度に抽象化して捉え直し、制作過程においてパーセプションの変化を自分自身に起こすことが、重要な課題と感じています。
抽象化した概念をいかに作品に落とし込んで、クオリアとパーセプションを表現できるか、いつも問われながら描いています。
アートが発展するたび、また自作もまた進化すればするほど、パーセプションへの期待、要求は高くなり、その作品の言語化は日々抽象化していきます。
独りよがりのアイデアや恣意的「エイヤッ」はもはや通用しない時代となりつつあります。
僕も半可通なアイデアで描き進めて潰した作品は数知れず。
最終的に作者自身の経験、知性、広い知見、知識の醸成が不可欠と痛感するのであります。
大学時代、学生の間でどこからともなく、古いヨーロッパの諺と称して（真偽は分からない）こんな言葉が聞こえて来た。
「絵描き一代音楽家二代デザイナー三代」
食えるようになるまで、絵描きは一代でものになるが、音楽家は親子二代、デザイナーは親子孫三代に渡って頑張らなくてはならないと言う意味だ。
生まれた境遇や教育環境のことを指していっているのだが、いかにも「ヨーロッパwww言いそうwwww」な流言ではある。
実際には現代は、音大や美大も用意されているし、系統だった情報や知性やセンスに触れることも、その気になりさえすればいくらでもできる。一代であっても努力と才能で素晴らしい音楽家やデザイナーになっている人たちはたくさんいる。
しかしながら凡人にとっては、努力を積み重ねていくうちに、努力だけでは如何ともし難い壁というものを何度も感じることがあるものだ。
僕は早くからバイオリンやギターで音楽教育を受け、自ら進んで絵の師匠に付き、はたまた大学では工業デザインを専攻し、社会に出てからは成り行きとは言えデザイン事務所法人を長年経営してきた。
なので先述の3つのことは全部、割と本気でやってきた。その上で、あの言葉には長年反発しながら、また時には実感として「ああそうだな」と、身に染みているところもある。
自分にとってせめてもの救いなのは、現在一番力を入れている「絵描き」については一代でものになるらしい、というところだろうか（笑）
言葉の呪縛とは恐ろしい。たとえ根拠のないものであっても「そうらしい」と言う言葉に多感な10代が触れてしまえば、どんなに反発してもその言葉の呪縛から自分を剥がしていくのは、実に骨の折れる作業になる。
そんなだから僕は随分と長いことフラフラしていた。
母は、家でピアノを子供たちに教える仕事をしていたから、二代目の僕は音楽家にはもしかするとなれたのかもしれない。
実際、妹の方は難関と言われた音大のピアノ科を卒業し、主婦となった今でも細々ながらも音楽の仕事を続けている。
本人は才が無いと自分で言っていたが、高校時代に彼女が弾くショパンの「幻想即興曲（嬰ハ短調）」には、間違いなくショパンの熱情が映り込んでいた。
「映り込むぐらいじゃなれんのよ」と言われそうだが（笑）
しかし、兄の僕はといえば音楽は聴くものであって、世の中で要求されるような音楽を作る才も演奏能力も、どんなに努力しても人並み以上に上達する事はなかった。
父は、公船の機関士だったが、僕が物心ついた頃には、陸に上がり実業高校の教師となっていた。
僕が大学に入り、得意な絵画の方に進むのではなく、工業デザインを選択したのは、父の背中を見ていた影響かもしれない。
しかしお世辞にも優等な学生とは言い難く、大学に入ったらやめようと思っていたはずの音楽を、友人に誘われるまま再開し、次第にバンド活動に耽溺、4年間をほとんどデザインとは無縁の状態で過ごしてきた。
それでも音楽家にはならなかった。いや、なれなかった。
2年間の教員生活を経て、とうとう僕は大学まで行かせてくれた父に「教師は続けたくない」と告げた。
僕にはやりたいことがあった。
父はと言えば、終戦後ソ連軍の占領下にあった樺太から命からがら引き上げ（ソ連から見れば逃亡、見つかれば銃殺かシベリア送り）、下北半島の不毛の開拓村で掘っ立て小屋から再スタート、さらに一家を助けるために漁船員になり、そこからさらに苦学しやがて公船の機関士になり…という、戦後復興日本を絵に描いたような苦労人であった。
そんな苦労人の父は、子供の勉強や努力といったものに対して実に手厳しい人ではあったが、不思議と僕の進路については「ああしろこうしろ」とは言わなかった。
母にとっては随分と希望や失望もあったろうが、父は「やりたいことがある」という僕に「そんなに言うならやってみろ」と言ってくれた。
おかげで僕は随分と自由に自分の人生を考えられるようになった。もちろんその自由と引き換えに失うものも多いことは分かっていた。
自由とは自己確立と自己選択である。そしてその選択には責任やリスクがついて回る。困難も失敗も織り込み済みである。それを跳ね除ける強靭さも要る。
父は自由に自分の人生を選択できる境遇には無かったが、自己の存立、確立のために、絶えず自己選択し、境遇、環境と闘い抜いて、最終的に「教師」という地に到達して来た人である。教師となってからも随分と武勇伝はあったようだが、僕の知る限り概ね平和で穏やかな後半生である。掛け値なく、境遇を跳ね除け人生の闘争に勝利した人生であった。
しかし彼は「人より何倍も勉強した」とは言っていたが、決して「苦労した」とは自分で言ったことがない。
そんな父の「やりたいようにやってみろ」という言葉を放つ目は決して甘い親の優しい目だったわけではない。
時代環境に翻弄され、闘争の連続であった自分の時代とは違う意味で「用意された環境を捨てるなら、お前も自力で闘ってみろ」と言ってくれたのだと、僕は今でも思っている。
前述したように、その後の僕の自由は、謳歌だけでなく常に失敗や困難と背中合わせだった。失敗の多くは自分の覚悟の足りなさから来るものが断然多く、父のそれに比べたらまだまだ甘いのは重々承知だ。
しかしそんな迷いや困難の数々も、月並みな言い方で言えば見事なまでに点と点が結ばれて線となり、今や気付けばそれが広大な多角形を作り出して、僕の創作や人々へのささやかな貢献に、多大なベネフィットを与えている。
結果的にそれらは失敗でも困難でもなく、乗り越えた先の僕の大切な財産となったのだ。
今僕は、人としての喜びも痛みも恥も哀しみも人並み以上に味わうことができている。
覚悟というものの本質についても今では少しは分かるようになり、あの時決断しなければ到底到達できなかったであろう人生観や哲学にも幸運にも出会うことができている。それが自己創作の深部に多大に貢献していることは疑いの余地がない。
そしてそうし続けて来れたのは、自己選択とそれに呼応して節節に助けてくれた人々のご恩の結果である。
そう感じた時、僕は初めて父が歩んで来た場所の一部に自分も足を踏み入れられたような気がした。
人とは結局、それぞれに与えられた境遇や宿命を自己確立という意志の力でねじ伏せ乗り越えていく存在に他ならない。
そこに時代も環境も関係ないのである。
どんな境遇に生まれようと、人は自己責任を全うし自己選択する限り、一代にして自己を確立できる。しかしその人が背負うものの重さはその人にしかわからないし、誰も代わりに背負ってくれる人はいない。それを教えてくれたのが父のあの一言であった。
結果、迷いも失敗も全て誰のせいにすることもなく自己に帰することで糧とし、また「苦労した努力した」などと吹くこともなく済んでいることは、本当にありがたい事である。
迷い戸惑い乗り越えた先に見えるものの価値は、本人にしか分からない隠された宝石である。
達成や喜び、また逆に困難や岐路に立つ度、偉すぎな父を思い出しても、俯く事なく少しはそう思えるように、最近は、やっとなってきた。
ラットレー・サー・ウイリアム
使用葉：バーレイ、ケンタッキー、トルコ、ヴァージニア久しぶりのパイプ葉レビュー。常喫葉はレッドラパリーやブラックマロリーなど、ラタキアが強く舌荒れの少ないものを選んでいるので、ケーシング系は久しぶり。ウイスキーでケーシングしているらしい。生葉の香りはウイスキーというより、ナツメを思わせるような甘いフルーツ感。「桃山」も思わせる。開缶直後、香料系と勘違いし「しまった」と思ったが、それほど人工的な匂いがするわけでなく、ケーシングによる熟成香のようで、これはこれで楽しめる。
葉様はリボンカット。この手を「レディラヴド（フレークをすぐに喫える状態にほぐしたもの）と形容する人が最近増えているが、レディラヴドはリボンカットとはそもそも製造工程が異なる。どちらがこの葉の状態として正しいのかはわからないが、僕的にはこのSIR WILLIAMはどうみてもミクスチュアの「リボンカット」である。
前評判として「火持ちが良い」とのことで期待したが、期待ほどの火持ちの良さは感じられなかった。燃焼が速いのでそう感じるのか、むしろ油断しているとやや大げさにドロウ（吸い）＆ブロウ（吹き）を要求されることがある。それは舌荒れを誘発するし、ラフなブロウは灰が飛びがち。
この辺は圧縮して熟成の進んだ火持ちの良い葉には一歩譲る。
喫味はやや若いが癖のない穏やかなバーレイ種特有の渋みとタバコ感、ヴァージニアの甘みがほどほどにあり、「ウイスキー」というよりは「ラム」っぽい。もしかするとシェリー樽のウイスキーをイメージしているのかもしれない。その香りをもっともよく味わえるのは、ブロウのアロマだ。決して濃厚ではないが複雑なブレンドでありながら深すぎない、タバコらしい芳香が好ましい。
喫後は甘さが舌に残り、余韻を楽しめる。喫後の甘さといえばマーリンフレークだが、マーリンフレークほどではないにしても優しい甘さを楽しめる。
バーレー種特有の煙臭さに好き嫌いが分かれるかもしれないのと、燃焼が速すぎて舌荒れを起こす危険性を除けば、自然な雰囲気のケーシング葉を楽しめる良品だと思う。
